lunes, 17 de abril de 2017

REFLEXIONES ELECTRICAS EN TORNO A T.BONE WALKER Y EDDIE COCHRAN


Me pregunto si... ¿Lo que entendemos por memoria colectiva ha pasado antes por un momento de tanta fragilidad como el de ahora? En el mejor de los casos, alcanza para recordar que hubo una edad lejana y difusa, la de los dioses, (Zeus). Después llegó una época, que según para quien empieza a ser muy remota, en la que los dioses se mezclaron libremente con los mortales, la de los semidioses, (Hercules). Y por ultimo, la de los héroes, (Aquiles), en la cual la actividad divina fue más limitada, pero sobre la que el común de los mortales posee impresiones más cercanas y familiares.
Por lo general, en el Olimpo musical que van configurándose los aficionados al pop- rock, (especie que corre serio peligro de ser reemplazada por una nueva clase dominadora de oyentes en el planeta pop, "los reguetoneros"), residen toda suerte de Semidioses y Héroes, mas algún que otro viejo Dios. Sin embargo, casi siempre advierto el mismo vacío en su particular escala de conocimientos, como si de la gran biblioteca musical colectiva, se hubiesen extraviado una serie de registros sonoros esenciales, que ya tan sólo unos cuantos "veteranos" y "ratones de fonoteca", presa de la nostalgia, recuerdan haberlos escuchado. Por lo tanto, una arma tan estimulante para el descubrimiento como es el You Tube, llega a carecer de buena parte de su eficacia, pues muchos aficionados jovenes, y no tanto, al rock, para quienes diez años atras significan "la noche de los tiempos", ignoran el hecho de que, - ni tan siquiera parece factible la posibilidad de que entre en la esfera de sus conocimientos - , a los Dioses les precedieron los gigantes, y que aquellos emanaron de estos, (Cronos, Padre de Zeus).
Cada generación necesita buscar su propia manera de contar historias, sentirse dueña de rítmicas que le permitan tomarle el pulso al tiempo que le ha tocado vivir; y también, erigir nuevos dioses a los que adorar, y en quienes depositar sus ofrendas para la catarsis. Es muy comprensible, pero... Tanto culto sucesivo a lo nuevo - con historias que saben más a rancio y engolado sucedáneo que a genuina novedad, pues sin duda "alguna campana han escuchado pero no saben donde", peor contadas y cantadas que antaño, lo cual denota un profundo desconocimiento de lo viejo, porque solo desde un conocimiento de lo viejo se es capaz de crear algo verdaderamente nuevo - produce una fatal ruptura contra lo que debería entenderse como un todo continuo. En España en concreto, ya sólo los flamencos prestan atención a las historias de sus mayores sobre los viejos dioses del ritmo y el compás, lo cual, les posibilita conservar cierta conciencia de que son un eslabón que va sumándose a una rica y larga cadena.
Si aceptamos que, el arte surge de la chispa que provoca el roce con lo divino, es fácil prever las consecuencias de alejarse cada vez más de la sabiduría que otorga el conocimiento de los dioses, y carecer de toda inquietud por descubrir, quienes fueron los gigantes. Son ya varias décadas en las que, desde los cielos no desciende para habitar entre nosotros ningún nuevo dios, semidios, o héroe, con la entidad y el peso mitológico de los antiguos. Tengo serias dudas de que, dentro de veinte años alguien se atreva a decir de las deidades contemporáneas algo tan rotundo como: "¿Por qué no escribo canciones? Porque CHUCK BERRY las ha escrito todas" (GEORGE THOROGOOD)

En el año 2003, la revista especializada en música rock,"Rolling Stone", elaboró una de sus famosas y cerradas listas, en las cuales pretende establecer - en función de la importancia histórica, innovación técnica y virtudes artísticas - quienes han sido "los mejores de todos los tiempos". En el caso que nos ocupa, le tocó el turno a los guitarristas, principalmente de Rock and Roll, aunque con alguna excepción del ámbito del Blues y el Jazz. La lista tuvo su reactualización en el 2015, eliminándose unos nombres, de manera injustificable, para añadir otros. Lo primero que me resultó llamativo fue la incorporación a la del 2015 del guitarra rítmica de THE BEATLES, el mítico JOHN LENNON. El argumentario esgrimido para ello es que, si bien no era un guitarrista muy dotado técnicamente - como el mismo LENNON llegó a reconocer -  su función como "bujía" indispensable que galvanizaba el motor del grupo más influyente de la historia, merece ser digna de resaltarse; y en consecuencia, hacerle un hueco en tan prestigiosa lista. ¡Me alegro mucho por LENNON! Pero... ¡Hombre! Ya puestos a reivindicar la labor de un segundo guitarra... Quien diseñó el manual de como debe ser la función del guitarra rítmica, dentro del engranaje energético de una banda de RnR, fue un señor que respondía al nombre de ELVIS PRESLEY. Tal labor, comienza a emprenderse en aquellas grabaciones registradas en un pequeño sello independiente de Memphis, allá por Julio de 1954. Parece que el manual - de manera consciente o inconsciente mas o menos reconocida - sigue consultándose, porque cada vez que se cuela el sonido de una segunda guitarra - amplificada o no - por cualquier grabación de rock contemporáneo, escucho esa inconfundible tensión rítmica, herencia directa del Blues, producida por un rasgado de cuerdas seco y punzante, que iría forjándose en el seno del no menos mítico trío musical, "The Blue Moon Boys"; cuyos miembros, (ELVIS PRESLEY, SCOTTY MOORE, y BILL BLACK), elaboraron su concepción sonora sin batería. Claro que, incluir a un guitarra rítmica que responde al nombre de ELVIS PRESLEY, entre tanto virtuosismo celestial, resulta tan sacrílego para el canon imperante entre los críticos de rock, como excluir a SIR JOHN LENNON del mismo.    

Bien, el nº 1, tanto en una edición como en otra, lo sigue ostentando uno de los dioses intocables del actual Olimpo, JIMI HENDRIX, lo que no me causó ninguna sorpresa. Si me llamó mucho más la atención, el lugar designado para alguien como T.BONE WALKER, (nº 47 en la edición del 2003, degradado a la posición N° 67 en la del 2015) ... No me considero un experto en guitarras ni en guitarristas, y no voy a cuestionar el virtuosismo y la influencia de HENDRIX, aunque a mí su música nunca me ha despertado un gran entusiasmo; también, es probable que desde el punto de vista técnico tocase mejor la guitarra que WALKER. Lo que sí sé, es que la labor emprendida por T. BONE unos treinta años antes del impacto de HENDRIX, facilitó a éste el poder desarrollar plenamente todo su potencial como instrumentista. A mi juicio, deberíamos saber otorgar igual mérito, tanto al que cava zanjas y apuntala los cimientos de una casa, como al que termina de edificar la construcción para elevarla hasta el cielo y establecer su pináculo .La "gigantesca" labor de los pioneros, no queda sepultada por el tiempo, más bien por la desmemoria. Los solos de T. BONE, mucho más sinuosos y afilados de lo que marcaban los cánones, sentaron las bases del blues eléctrico, y el futuro protagonismo esencial de la guitarra eléctrica en el RnR, con permiso de MUDDY WATERS (N° 49 en la del 2015, ni rastro de él en la del 2003).
Una estampa emblemática de JIMI HENDRIX, le representa en el escenario mientras rasga su guitarra con los dientes. Pero en realidad, es una imagen que el joven Dios de los 60, copia del viejo gigante de los 40, ya que la autoría original de aquel acto tan diestro y apasionado, pertenece a T. BONE. Al igual que, antes que HENDRIX, CHUCK BERRY, deidad suprema del RnR, tomaría buena nota de los recursos escénicos que el coloso tejano desplegaba con la guitarra en las manos. En justicia, T. BONE WALKER, merecería una posición de mayor privilegio en "la revista oficial del Olimpo", porque sin la existencia de éste Titán, no se entiende a Dioses de la electricidad musical como: BB KING, BUDDY GUY, ALBERT KING, JOHNNY GUITAR WATSON o CHUCK BERRY, y sin estos, a los héroes o dioses modernos de la guitarra eléctrica como: ERIC CLAPTON, JEFF BECK, JIMI HENDRIX, JIMMY PAGE, ANGUS YOUNG, VAN HALEN o PRINCE. Por supuesto que, T. BONE WALKER, seguiría muy de cerca los progresos alcanzados en el oficio de la amplificación del sonido por guitarristas provenientes del jazz como: EDDIE DURHAM o CHARLIE CHRISTIAN (no se molesten en buscarles en ninguna de las listas). Muchos autores dirán que, ROBERT JOHNSON es el autentico pionero de la electrificación, porque sus grabaciones "desenchufadas" desprenden una energía eléctrica diabólica. Y luego, saldrá otro que diga que JOHNSON le copió el estilo a SON HOUSE, así que SON HOUSE es el que... Como en cualquier género musical, es harto complicado buscar una paternidad exclusiva, y el blues eléctrico no iba a ser menos. Todo recorrido histórico, requiere de puntos de partida, pero las referencias nunca deberían de ser tan limitadas en el espacio - tiempo histórico, como las que nos señalan en este tipo de listas retrospectivas, un ramillete de músicos y críticos escogidos por el "Rolling Stone", y laureados por APOLO y MINERVA.


Mas o menos el 75% de los guitarristas incluidos en dicha relación, son de los años 60 en adelante, (gracias a los dioses del Olimpo, en la ultima lista todavía no se han olvidado de guitarristas de "gigantesca" importancia en la evolución del instrumento como: LES PAUL, CHET ATKINS, MUDDY WATERS, ALBERT KING, JAMES BURTON, BO DIDLEY, SCOTTY MOORE, BB KING, CHUCK BERRY, DUANE EDDY, LINK WRAY), por lo que.. ¿Debemos suponer que la gran mayoría de guitarristas innovadores, influyentes y virtuosos, surgieron a partir de "la década prodigiosa"?....
Imagínense que se confecciona una lista de los 100 mejores futbolistas de todos lo tiempos, y exceptuando alguna que otra referencia ineludible como: PELÉ, DI STEFANO, GARRINCHA, KOPA, PUSKAS, GENTO, EUSEBIO y BOBBY CHARLTON, el resto de los cien seleccionados son futbolistas de la época de JOHAN CRUIFF en adelante, es decir, pertenecen a la era del fútbol moderno... ¿Acaso los jugadores de los años 30, 40, Y 50, no jugaban bien al fútbol y no fueron determinantes para la evolución del juego? Con esas botas y ese balón de entonces...¿No se requería de una técnica muy fina y depurada para regatear, conseguir potencia, efectos y colocación? No existe prueba científica que demuestre que, CRISTIANO RONALDO o MESSI juegan mejor al fútbol que LEONIDAS DA SILVA (astro brasileño de los años 30 inventor de "la chilena", y que en el mundial de Italia de 1938 marcó un gol a Polonia teniendo que jugar descalzo), o MATTHIAS SINDELAR (posiblemente el mejor jugador europeo del periodo de entre guerras, apodado "El Mozart del futbol" por su extraordinaria calidad técnica). La única diferencia entre DA SILVA o SINDELAR, y los posteriores astros del balompié, tiene que ver con la trascendencia mediática, la importancia concedida a la preparación física, la evolución del orden táctico, y los materiales deportivos correspondientes a cada época que les tocó vivir; pero no con una superior destreza técnica en lo que al juego en sí se refiere. Tenían que haber coincidido en un mismo tiempo, todos los grandes futbolistas de la historia, haber competido unos contra otros en unas edades similares, con el mismo balón y calzado deportivo, para determinar con rigurosa fiabilidad por que unos merecen ocupar el Nº 1, y otros el Nº 67. Y también, ¿Por que "no están todos los que son"? o ¿Por que están y luego se olvidan de que estén? ¿HENDRIX era 66 numeros mejor guitarrista que T. BONE? Como diría un polémico entrenador del balonpie... "¿Por que?"
En lo que se refiere a las selecciones mundiales de todos los tiempos que elabora "el Rolling Stone", siempre echamos a faltar ausencias muy, pero que muy notables. ¿Se puede concebir una lista de los cien mejores pintores de la historia, en la que un gran porcentaje de la misma esta constituida por pintores de los últimos 180 años, pongamos a partir del realismo, saltándose el romanticismo, el neoclasicismo, el rococo, el barroco, el renacimiento etc etc? ¿Tendría sentido?¿Podríamos entender la evolución del arte pictórico de una manera integral?
La historia del RnR y de la música popular en general, no abarca tantos años, ni tantos periodos, como para sufrir una amnesia tan profunda, o una memoria tan frágil de su pasado inmediato...
El influjo de DJANGO REINHARDT hace tiempo que traspaso la esfera del jazz.
Las aportaciones de IKE TURNER (figura en la lista del 2003 pero desaparece en la del 2015), en cuanto a las texturas sonoras definitorias del blues eléctrico, dejaron de ser invisibles tiempo atrás.
El único que se acuerda de CARL HOGAN es CHUCK BERRY, escuchen "Ain´t That Just Like a Woman" de LOUIS JORDAN AND his TIMPANY FIVE y entenderán el por que.
Puede parecer una exageración, pero bajo mi criterio los enloquecidos solos de la guitarra heavy metal, le deben mucho a la endiablada velocidad que CLIFF GALLUP, (N° 79 en el 2003, eliminado en la del 2015), imprimía a los suyos cuando desplazaba los dedos por el mástil. Sus sacudidas eléctricas en las grabaciones para GENE VINCENT, escondían una demoledora premonición.
No es necesario poseer unos grandes conocimientos sobre las técnicas de la guitarra eléctrica, para percatarse de que, los novedosos recursos expresivos que JIMI HENDRIX incorporó al lenguaje eléctrico de las seis cuerdas - estilo agresivo, reverberación, realimentación - son absolutamente apreciables en un señor llamado JOHNNY GUITAR WATSON, gigante de la guitarra que comenzó su andadura profesional unos cuantos años antes que el Dios HENDRIX... Basta con escuchar  "Guitar Space" (1953). Sin duda, una de las ausencias mas inexplicables - tanto en 2003 como en 2015 - es la del gran JOHNNY GUITAR WATSON.
Y que decir de BRIAN SETZER... Un guitarrista que a principios de los 80 amplió las fronteras armónicas de un genero, el Rockabilly, con unas lineas rítmicas muy delimitadas, y del que ya parecía todo dicho. Pocos guitarristas saben tocar de manera tan precisa con púa y dedos a la vez, creando dos lineas melódicas simultáneas. Sus "fills" bluseros, poseen esa marca inconfundible de un gran innovador de las seis cuerdas. No obstante, éstas sobradas credenciales, nunca han sido suficientes como para incluir a SETZER - uno de los guitarristas más interesantes de los últimos 35 años - en la lista de los campeones mundiales de la guitarra eléctrica.  
En fin, se pueden buscar todo tipo de justificaciones a tan significativos "olvidos"... GALLUP Y HOGAN son guitarristas oscuros. REINDHART proviene del jazz. Los avances de GUITAR WATSON resultaban demasiado extravagantes para su época, y HENDRIX los terminó de pulir en un momento más adecuado. SETZER, aún siendo un artista de grandes audiencias, se encuentra demasiado asociado a un estilo muy especifico y minoritario. Y en el caso de TURNER, quizás influyan episodios de su vida privada nada honorables... Si bien, la omisión más llamativa, y menos perdonable entre las imperdonables, sea la de un talento precursor y clarividente como pocos dentro de la historia del RnR, si exceptuamos a BUDDY HOLLY (se olvidaron de él en 2003 Nº 80 en la del 2015), y cuya inspiración, se originaba en las vibraciones eléctricas que produce la pulsión de las cuerdas de acero y níquel... Estoy refiriéndome a todo un gigante entre gigantes, EDDIE COCHRAN (Nº 84 en el 2003 condenado al olvido en la del 2015). La trascendencia de EDDIE COCHRAN en toda la música rock posterior a él, tiene cuando menos, igual valor que la de LOS BEATLES o JIMI HENDRIX, pero el hecho de que falleciese a los 21 años, la confiere unas connotaciones prodigiosas, pues dejó grabadas un numero relativamente corto de canciones. La naturaleza innovadora de su talento, abrió nuevos cauces expresivos, por donde en un futuro muy próximo iban a discurrir las diferentes corrientes evolutivas del nuevo género. E insisto, todo ello sin llegar a cumplir los 22 años...

"Sumertime Blues" (1958), su mayor éxito propiamente rockero, introdujo el "Power chord", ("acorde de potencia"), en el Rock and Roll, recurso utilizado hasta la saciedad por guitarristas de "Heavy Metal" y  "Punk Rock". Aunque a decir verdad, LOS EVERLY BROTHERS, otros grandes cimentadores de futuras sonoridádes, ya realizaron algún apunte sobre esto. "Sumertime Blues", supera definitivamente la tradicional estructura del RnB, insinuando nuevos caminos a seguir. Con ese sonido metálico y esa voz rasgada del "Blues del Verano", el Rock and Roll se emancipaba de sus progenitores, para empezar a crecer y tomar nuevos rumbos sin el amparo de estos. Cualquier tema considerado de Rock que escuchemos hoy en día, se reelabora sobre dos constantes esenciales: Sonido metálico de guitarra y voz rasgada.

"Something Else", (1959), en la que COCHRAN toca la guitarra además del contrabajo eléctrico, (en varias de sus grabaciones llegó a tocar todos los instrumentos), se adelanta más de una década al contundente sonido "Punk Rock".

"Tenaggie Cutie" (1958) constituye otra muestra de su premonitorio talento musical, ya que anticipa los sonidos pantanosos de la CREEDENCE CLEARWATER REVIAVAL, casi diez años antes de que la banda se materializase. (En este caso la paternidad debe compartirse con DALE HAWKINS... ¿O fue JAMES BURTON?)

Los acordes de "Three Steps to Heaven"(1960) suenan a "unplugged" contemporaneo, pero... ¡Ojo!¡Es una grabación de Enero del año 1960! Acordes que DAVID BOWIE calcó sin cortarse un pelo para la introducción de su tema, "Queen Bitch"(1971). Así mismo, la convulsión guitarrera de "Space Oddity"(1969) lleva el sello inconfundible de COCHRAN.

Otras composiciones propias - "Sweetie Pie" (1957), "My Way"(1959) - pero también el tratamiento musical que imprime a las ajenas - "Nervous Breakdown" (1958), "Cut Across Shorty"(1960) - igualmente trasmiten una inequívoca sensación de modernidad desde la primera escucha. No es difícil, detectar rasgos distintivos de su música, en muchos grupos que suponen referencias ineludibles de los años 60 y 70, para legiones de jóvenes guitarristas rock actuales. Los riffs que producía con su Gretsch 6120, reverberan en numerosas grabaciones de THE WHO, THE KINKS, THE ROLLING STONES, DEEP PURPLE, T. REX, RAMONES, SEX PISTOLS. Si bien, los de CUCHK BERRY y el blues eléctrico de Chicago, sean de una influencia mas visible para todos ellos.

Al margen de su labor como compositor vanguardista, también conviene resaltar su genio interpretativo al pisar terrenos más clásicos, dando buena cuenta de él, en la magistral versión que realizó del tema de RAY CHARLES, "Alheluya I Love Her So". La pieza, está bien arropada en todo momento por espléndidos arreglos de cuerda. Hacia la parte central de la canción, el sonido metálico de su guitarra comienza a replicar de manera concisa al incisivo planteamiento que propone la sección de viento; hasta que progresivamente, aquel vibrante dialogo termina por transformarse en un irrebatible monólogo eléctrico, que evidencia los progresos de su virtuosismo instrumental. Sin duda, una pieza maestra desde el punto de vista de la concepción musical. ¿Sonido de guitarra eléctrica bien afilado con una orquesta sinfónica detrás? Nada es tan nuevo bajo el sol del planeta Rock. Así mismo, una vez le concedieron mayor libertad creativa a raíz del éxito de "Sumertime Blues", comenzaría a experimentar con las posibilidades tecnológicas de la época, grabando simultáneamente por varios canales. Una herramienta en el registro de los sonidos pop, que más tarde utilizarán en sus magnas obras de finales de los 60, THE BEACH BOYS y THE BEATLES.

En definitiva, uno de los talentos más precoces y luminosos en la historia de la música popular, que no tiene el reconocimiento debido, pues fue COCHRAN quien profetizaría a golpe de guitarra, los posteriores pasos evolutivos que daría la criatura rock para seguir mutando.
LITTLE RICHARD inventó el RnR en cuanto a estructura rítmica y temperatura emocional, sin embargo, CHUCK BERRY, al dotarle de un mayor y característico contenido vital, lo definiría de un modo más categórico... Y si ELVIS, al lograr algo tan complicado como universalizar un genero de raíces muy provincianas y marginales, termina por convertirse en la suprema leyenda que todo mito necesita; la figura de COCHRAN nos representaría a su mayor visionario - sin olvidarnos de BUDDY HOLLY o los hermanos EVERLY verdaderos padres fundacionales del pop en su concepción moderna - sin duda, el JULIO VERNE del Rock And Roll.

EDDIE COCHRAN fue un cantante mas o menos popular entre 1956 y 1959, que intervenía en películas y salía por la tele, pero que en ningún momento llegó a rozar siquiera un estatus estelar parecido al de LITTLE RICHARD, CHUCK BERRY, FATS DOMINO, JERRY LEE LEWIS, BUDDY HOLLY, RICKY NELSON o ni mucho menos al de ELVIS. Su mayor hit en vida seria el mencionado "Sumertime Blues", (N° 8 USA). Antes, en 1957, obtuvo un moderado éxito con "Sittin' in the Balconny" (Nº18 USA), tema de corte pop porque su lanzamiento como cantante de RnR, no había obtenido el impacto comercial esperado por su discográfica, Liberty Records. El resto de sus sencillos, alcanzaron posiciones aun mas alejadas de los primeros puestos. El éxito de "Sumertime Blues" no volvió a repetirse, amén de que en EEUU soplaban unos aires de cambio nada prometedores para el Rock And Roll. A pricipios del año 1960, tras una gira por Australia, y al igual que su amigo GENE VINCENT, dirigió sus pasos artísticos hacia tierras británicas. Entre Enero y Abril de ese año, las apariciones televisivas y los numerosos conciertos, le convierten en la gran sensación musical del momento en el reino de ISABEL II. Durante esos primeros meses de la recién estrenada década, COCHRAN consigue ser la estrella de Rock and Roll que jamás fue en su país. Lamentablemente, tuvo poco tiempo para disfrutar de tan merecido reconocimiento. El 16 de Abril, al atravesar la localidad de Chippenhan por la carretera A 4, a unos 154 km al oeste de Londres, sufrió un accidente en el Taxi en que viajaba. Le acompañaban su novia, la compositora SHARON SHEELEY, y su amigo GENE VINCENT. SHEELEY y VINCENT sobrevivieron, pero COCHRAN no tuvo tanta suerte, falleciendo al día siguiente a consecuencia de sus heridas. Apenas un mes más tarde, "Three Steps to Heaven" escalaba a lo mas alto de las listas inglesas; el único Nº 1 de toda su carrera. Según la revista "Cashbox", ED SULLIVAN había mostrado cierto interés por ese joven rockero estadounidense, semiconocido en su país, pero que estaba triunfando de manera apoteósica al otro lado del atlántico. Es posible que, una hipotética aparición en el histórico programa televisivo, "Ed Sullivan Show", hubiese supuesto un espaldarazo importante en su carrera de cara al mercado americano; especialmente con un single bajo el brazo tan idóneo como "Three Steps to Heaven". O quizás no. Tan difícil nos resulta de saber, como de poder precisar en el tiempo, los verdaderos límites, y adivinar los saltos evolutivos, de un talento en constante ebullición. En ningún caso creo que - en una década como la de los 60 de tanta agitación y cambio en la que el RnR se adentraría por vericuetos más intrincados - llegase a padecer los efectos de la obsolescencia, pues la versatilidad de un talento musical como el suyo, le otorgaba una enorme capacidad para adaptarse, con la coherencia indispensable, a las nuevas tendencias. No en vano, - y reitero porque no me parece que esté todo lo claro que debiera estar -  fue él quien anticiparía muchas de las posteriores metamorfosis de la música Rock... Si pensamos que sólo era dos años mayor que LENNON... ¿Por que no creer que los 60, ya fuese como cantante, compositor, o productor y arreglista, le hubiesen pertenecido tanto a él como a los melenudos?

Olvidarse de incluir a EDDIE COCHRAN en una lista de "los mejores guitarristas de la historia del Rock", viene a ser como saltarse el quinto día de la creación.. Todos los guitarristas posteriores a él, no podrían haber emulado a las aves de cielo.      


                              

miércoles, 11 de enero de 2017

RAICES PROFUNDAS

"RAICES", por el desarraigo que produce la desmemoria. "PROFUNDAS", porque la tibieza de lo "light" es el veneno insustancial que provoca una toxicidad de efectos mortales para el alma. Dos palabras que conectan con el inolvidable "Western" de GEORGE STEVENS, "Shane"(1953), de afortunada traslación al castellano. En tal conexión, no pretendáis encontrar nostalgia por el pasado, más bien un vivo interés por el presente venidero, pues como dijo LOPE DE VEGA: "Quien mira al pasado lo porvenir advierte". Aunque en principio pudiese parecer que este blog se rige bajo un patrón específico, que tiene como objeto reivindicar la excelencia de estilos musicales concretos – si lo parece es porque también es verdad – nada en él es predecible ni constante, y todo se encuentra sujeto a mi humilde inspiración y a mi naturaleza ecléctica.     


domingo, 8 de enero de 2017

A PROPOSITO DE ELVIS Y LA ROYAL PHILHARMONIC ORCHESTRA


Pienso, que todas las opiniones son respetables, aunque no creo que todas las opiniones sean autorizadas. Y al mismo tiempo, opino que la respetabilidad de algunas "doctas opiniones" en la crítica musical solo se les supone, como el valor en la antigua mili. Sin dejar de reconocer que, ciertos dictámenes supuestamente objetivos y versados, no demuestran ni tanta neutralidad ni tanta sabiduría, y en el caso de quienes los emiten se encuentren en posesión de tales cualidades, la primera suelen perderla en favor de los más diversos intereses personales, y la segunda, a menudo la emponzoñan por una animadversión personal hacia el objeto de sus evaluaciones; Fruto quizás de determinada frustración artística... Sí comparto que, existen y deben existir opiniones más autorizadas que otras, porque sino ¿Para que se estudia, se investiga y nos sirve la experiencia? También, debemos saber diferenciar, en este tiempo tan subjetivo y tan poco autocrítico, que el gusto es subjetivo, y el conocimiento es objetivo. Pongamos un ejemplo practico y musical a todo "este rollo intelectual"....

Cuando tenía quince años, si existía un cantante al que yo detestaba profundamente, ese era JULIO IGLESIAS. Unos cuantos años después y múltiples y variadas escuchas más tarde, "Julito" sigue sin entusiasmarme, porque desde la rigurosa objetividad, nuestro pop melódico atesora cantantes muchísimo mejores, pero en base a esa misma rigurosidad, honestamente no puedo afirmar con rotundidad que IGLESIAS sea lo que se dice un mal cantante, o un cantante detestable. JULIO, es un cantante no exento de buen gusto que entona bonito, y sus limitaciones como vocalista las ha sabido reconvertir en virtudes de lo más apropiadas para si mismo, pues desde el principio supo tener el criterio de rodearse de buenos compositores, quienes le construyeron una serie de himnos populares como trajes a medida. Cada uno de estos trajes, han ido configurando un personaje con una capacidad de conexión a nivel multitudinario, que se encuentra fuera de toda duda. Incluso, tengo que reconocerle que, sabe apropiarse de canciones de interpretes muy superiores a él, como es el caso de "Me olvide de vivir", "J'ai Oublié de Vivre" original de JOHNNY HALLYDAY, para otorgarlas mayor universalidad. Mi opinión sobre las positivas cualidades de "Julito", suelen coincidir en lo básico, con otras opiniones que he escuchado de él a músicos de diversas tendencias, es decir, está contrastada (conocimiento); Por lo tanto, mi valoración artística sobre el ex portero de fútbol ahora es mucho más autorizada que cuando tenía quince años. Aunque claro... ENRIQUE IGLESIAS le ha hecho todavía mucho mejor cantante a su padre de lo que en realidad es. Bueno, a mi quien me mola es JULIO JOSÉ, pero no nos desviemos del tema.

Bien, la aparición en el mercado de dos discos consecutivos de canciones de ELVIS PRESLEY, adornadas por la Royal Philharmonic Orchestra de Londres, ha suscitado la más enconada controversia entre los fans...
Algunas de las valoraciones tan rotundamente negativas que leo en relación a los dos discos, por ejemplo: "La calidad musical de estos productos es mala", o "frikada comercial", me parecen inaceptables objetivamente hablando. Si aplicamos el ejemplo que acabo de mencionar unas pocas lineas más arriba acerca de JULIO IGlESIAS, con vistas a intentar desenvolvernos en parametros de mayor mesura e imparcialidad, estimo que sería mucho mas ajustado calificar a lo de ELVIS y la RPO como un trabajo desigual, ni mucho menos redondo, pero tampoco de unos resultados "deficientes"; Y denostarlos en aras de: "Preservar la pureza del legado de Elvis", no le encuentro ningun sentido.
Primero de todo, debemos valorar las cosas desde lo que son, no desde lo que nos gustaría que fuesen. Lo de la Filarmónica de Londres y ELVIS, es un "producto musical de laboratorio", en el que se combinan los elementos orgánicos del clasicismo musical con las posibilidades que ofrece la tecnología moderna de un estudio de grabación; Y como tal debemos apreciarlo. Ponerse a juzgar un aceite como si fuera un vino... En fin... Juzguemos entonces al aceite desde las cualidades del aceite...

Como "producto musical de laboratorio", el resultado de "If I Can Dream" y "The Wonder of You" resulta dispar, pero con puntos de apreciable interés. Enumeremos algunos ejemplos significativos: La introducción de "Fever" es brillante, (no se lo que opinarían músicos y arreglistas profesionales, a mí así me lo parece), pero MICHAEL BUBLÉ, aun encantándome, me sobra un poco, en el sentido de que la tecnología del siglo XXI juega a su favor en detrimento de ELVIS. Un tanto de los mismo, en cuanto a la introducción de "Burning Love", original y vibrante.
Los nuevos arreglos de "Bridge Over Trouble Water", consiguen que la grandiosidad de la canción adquiera mayor cuerpo.
El trabajo realizado en, "I've Got a Thing abaout You Baby", demuestra que las virguerías tecnológicas propias de "un laboratorio musical", bien mezcladas con elementos orgánicos, pueden ofrecer buenos resultados. Ahora bien, es cierto que los modernos añadidos en un buen numero de los temas, no presentan grandes aportaciones respecto a los arreglos originales. Se limitan a ser un fondo de acompañamiento musical agradable en el mejor de los casos, desangelado en el peor; En otros, suben el volumen un poquito para que los nuevos aportes musicales sean más perceptibles y "todo arreglado". Un ejemplo sintomático, lo representa "American Thrilogy", pieza que se presta con total adecuación a un proyecto de estas características, no obstante, el nuevo tratamiento parece haberla desprovisto de toda esa fuerte carga emotiva del original. La sensación con "Kentucky Rain", también es muy similar.
Al escuchar el preámbulo de otro numero rápido, "A Big Hunk Love", me invade la ligera impresión de que empieza a cometerse un cierto abuso con la utilización de ciertos recursos musicales. En cambio, si tengo que destacar un aspecto positivo del producto, es la remasterización de la voz de ELVIS, que nos permite disfrutar en mayor medida de sus matices expresivos.
En definitiva, unos discos, o uno solo de dos entregas, erráticos, que se mueven entre lo correcto y lo interesante, con sus momentos de brillantez, aunque en demasiados casos termina por imponerse la irrelevancia a la originalidad. Muy mejorables sí, pero...¡En ningún caso rematadamente malos!

Otras lineas abiertas para la encendida controversia, es cuestionarse si PRESLEY, de haber vivido en nuestros días, habría quedado satisfecho con los resultados de "If I Can Dream" y "The Wonder of You", así mismo, gustan de elucubrar sobre la posibilidad de que el cantante se hubiese embarcado en una grabación de estas características; lo cual nos deriva hacia el gran trasfondo central de tan acalorada polémica... ¿Hasta que punto, al rey del RnR le gustaba grabar con una orquesta?
En cuanto a la primera cuestión, no creo que estuviese del todo satisfecho, pero mi intuición y la lógica me dicen que ELVIS más tarde o más temprano habría grabado un disco con una orquesta filarmonica ... Y también uno de "Duets", y un "Unplugged"(el primero de la historia fue el suyo), y un disco del "American Song Book" con orquesta de swing, y otro en la linea de los del ultimo JOHNNY CASH. Sí, porque son tendencias del mercado de estos últimos quince o veinte años, y hasta donde yo se, PRESLEY siempre fue un artista con vocación comercial, o sea, que pretendía vender los máximos discos posibles, y que a sus conciertos acudiese el máximo numero de personas, como así fue. Verse coronando las listas de éxitos de medio mundo en pleno siglo XXI, con toda una filarmónica detrás de él, no creo que le disgustase. En lo referente a que si el chico de Tupelo era muy amigo de las orquestas o no... Veamos...
Por lo general, la concepción musical que ELVIS AARON PRESLEY detentaba, tendía hacia el minimalismo. Producciones sencillas sin grandes aspavientos. Una sección rítmica compuesta por guitarras, bajo, batería y teclados, sumada a la pertinente sección vocal, con el añadido ocasional de instrumentos de viento, saxo y trompeta, eran suficientes para arropar a una voz como la del rey. Y sí, efectivamente durante la grabación de "All that I Am" del soundtrack "Spinout", al ver en el estudio a un cuarteto de cuerda, el rey puso mala cara y no hizo comentarios muy positivos al respecto. Los Reyes son así, (a mi personalmente los sutiles subrayados de cuerda, y la producción en general de esa canción me parecen una delicia). Vale, PRESLEY mostró resistencia a "entrar por ahí".

Sin embargo, en Marzo de 1968, antes de la grabación del famoso "Comeback 68", su majestad solicitaría los servicios de BILLY STRANGE, productor de moda en aquel momento, además de compositor, y que ya había colaborado con ELVIS en calidad de guitarrista. STRANGE, escribía y ensayaba los arreglos, concibiendo estos para una orquesta completa, antes de cada sesión. Bajo la batuta de STRANGE, el Rey grabaría, en sus últimos coletazos musicales para el cine, piezas tan suntuosas como "Edge of Reality" y "Charro". También, la cálida, pero muy bien reforzada a nivel orquestal, "Almost in Love". Sin olvidarnos de la famosa, "A Little Less Conversatión", profusamente enriquecida con instrumentos de viento.

Después vendría el "Comeback 68", con la emblemática "If I Can Dream" plena de grandilocuencia instrumental.

Tras su vuelta a los escenarios, unos siete años de conciertos con la orquesta de JOE GUERCIO; "An American Trilogy", "What Now my Love" son sobradas muestras de la grandiosidad que proporciona una orquesta. Asunto que a PRESLEY ya no parecía molestarle tanto.

En las históricas "American Sessions" del Año 69, - que representan uno de los puntos más álgidos en su carrera - debido a un constipado, ELVIS añadiría su voz en varias de las canciones sobre pistas pregrabadas, muchas de las cuales estaban sólidamente armadas con arreglos de cuerda y viento. 

"That's The Way it is" es un disco que contiene altas dosis de orquestación y abundante post producción. ¿Le gustaba a ELVIS tanto retoque orquestal sobre sus masters? Supongo que dependía del resultado.
¿Realmente los deseos del Rey eran que sus discos apareciesen publicados con sus masters de voz originales, sin el embellecimiento de cuerda y viento posterior? Cada quien tendrá su respuesta.
En cualquier caso, el productor FELTON JARVIS, obtuvo el beneplácito del Rey para tales menesteres en buena parte de sus entregas discográficas posteriores a 1966. Además de ensamblar y ordenar en Lp's, aquellas maratonianas sesiones de grabación. Tanto "el pack" de las "American Sessions" ("From Elvis in Memphis", "Back in Memphis") como "That's The Way it is", entran dentro de los discos imprescindibles de PRESLEY, y resulta que son trabajos en los que se emplean "overdubs" a tutiplén.

PRESLEY, con "It's Now or Never", fue, si no el primero, de los primeros en introducir la ópera en la música popular. ¡ELVIS el primer "IL DIVO" antes de "IL DIVO"!
Porque no debe olvidarse, que su graciosa majestad también tenía gustos sofisticados: BEETHOVEN, TCHAIKOVSKY, MARIO LANZA, y los Crooners; Y si bien sus trabajos de estudio no se encauzáron totalmente por el camino de las grandes orquestaciones - ¡Tampoco se trataba de hacer sonar a ELVIS como a MANTOVANNI! - su genio interpretativo era capaz de dar un giro inesperado, y sorprender a su audiencia recurriendo a una sencilla tonada vaquera de ERNEST TUBB, para transformarla en toda una elaborada pieza sinfónica, "Tomorrow Never Comes".
El Rey, con semejante versión, mas que tener que encuadrarla en el "Country & Western" nos obliga a crear una nueva etiqueta. Algo así como... "Hillbilly & Symphonic" o "Philharmonic & Western". Una constante en los genios suele ser romper los esquemas sin darse mucha cuenta. "Tomorrow Never Comes" es uno de los doce cortes originales del Lp, "Elvis Country", otro disco fundamental que tiene "sus arreglillos orquestales". Aseguraría que los suntuosos arreglos de CAM MULLIS, con su largo crescendo y ese colofón tan operistico, que rejuvenecen una vieja canción "hillbilly" de ERNEST TUBB hasta un punto que nadie hubiese imaginado, fueron del agrado del Rey.

En conclusión, no podemos afirmar que las grandes orquestaciones fuesen una seña de identidad definitiva en el discurso musical del Rey, en el conjunto de su obra discográfica... Pero existen muchas excepciones a la regla, que nos indican que en absoluto se sentía incomodo, ni era un cantante refractario a la mayor extensión musical que procuran las grandes orquestas, y cuando el pensaba que la canción lo requería, iba más allá, trascendiendo su acostumbrada concepción musical; O la que se le suponía como Rey del RnR.
Quizás, y es sólo una impresión personal, su "resistencia a las orquestas" tenga más que ver con SINATRA que con su propia esencia conceptual de la música. Su camino era otro, y todas las comparaciones son odiosas. De haber vivido en estos últimos quince años, veo factible que se hubiese embarcado en un proyecto con una orquesta filarmónica. Si lo han hecho KISS, GUNS AND ROSES, y METALLICA...  ¿El REY del Rock And Roll iba a ser menos?                    
 

miércoles, 14 de septiembre de 2016

"ELVIS & NIXON"



Lo malo de “ELVIS & NIXON”, lamentablemente y debido a la atmosfera cultural que respiramos, es que contribuye a seguir asociando de manera automática a ELVIS AARON PRESLEY al conservadurismo norteamericano más extremo en su versión sureña, es decir, PRESLEY continúa siendo para un buen numero de personas, una suerte de WASP (White, Anglo- Saxon and Protestan) en toda regla, aunque de origen humilde y con trazas de esperpento. Llegan a ser irrelevantes todos los enconados esfuerzos que se realicen en aras de hacer comprender que si bien, el sentido del patriotismo norteamericano a los ojos de muchos españoles raya en un patrioterismo infantil, no puede negarse que posee una profundidad sentimental de la que carece buena parte de la sociedad española actual... Que los asuntos que preocupaban al rey del RNR sobre su país en aquel convulso periodo, léase: el incremento de la delincuencia, el apogeo de las drogas entre los jóvenes, (sí, aunque Presley fuese un drogadicto), las revueltas violentas en los campus universitarios en protesta por la guerra de Vietnam, la aparición de grupos radicales como los panteras negras,  etc etc, eran exactamente los mismos que inquietaban a cualquier ciudadano medio estadounidense, mayor de 35 años, y que fuese votante habitual del partido demócrata... Que la fascinación por las armas se encuentra muy insertada en el tejido cultural de un amplio sector social norteamericano... Que, si en vez de el republicano NIXON, el huésped de la casa blanca hubiese sido JOHN F. KENNEDY, LYNDON B. JOHNSON, JIMMY CARTER, o cualquier otro presidente del partido demócrata situado lo más a la izquierda posible de "la izquierda norteamericana", los hechos protagonizados por obra y gracia de su caprichosa majestad , ELVIS PRESLEY, en diciembre de 1970, se hubiesen producido de la misma y singular manera. 
Y la consideración más importante a la hora de evaluar históricamente aquel encuentro entre ELVIS y NIXON: Los jueces del futuro analizan con lupa acontecimientos como el que nos ocupa, que en si mismos no son de una suprema trascendencia, y el tamaño de la lente con que sean observados será lo que determine su mayor o menor relevancia de cara a la posteridad. Igualmente, da lo mismo lo que te esmeres en explicar que PRESLEY podía ser un tipo tradicional, pero nunca un conservador al estilo de JOHN WAYNE, artista que en el libre ejercicio de su libertad de expresión se vinculó de manera activa al sector más conservador del republicanismo estadounidense; circunstancia por otra parte sujeta a las necesarias matizaciones. ELVIS, fue una persona de un talante democrático, y jamás en toda su vida se posicionó a favor de ninguna causa política, pero sí en beneficio, por medio de su generoso bolsillo personal, de infinidad de ayudas sociales, que suelen ser mucho más efectivas que cualquier compromiso ideológico. Según su amigo GEORGE KLEIN:
 “Por lo que se refiere a política, no creo que ELVIS fuese a votar jamás, porque habría sido muy complicado hacerlo tranquilamente debido a su fama. No era ni republicano ni demócrata, simplemente apoyaba al político que más le convencía en cada momento. Le gustaba JOHN KENNEDY y RICHARD NIXON a quien visitó en la casa blanca. Y también JIMMY CARTER”

Estaríamos hablando, de un individuo cuya intención de voto basculaba a un lado u otro del bipartidismo norteamericano, en función de lo que pensaba que era mejor para su país, según las eventualidades sociopolíticas de cada momento que le tocó vivir. Podemos afirmar entonces, sin temor a equivocarnos, que ELVIS, al igual que tantos norteamericanos medios, era una persona políticamente moderada. Muy al contrario que, por ejemplo, el recientemente desaparecido DAVID BOWIE, que durante un periodo de su vida coqueteó con el fascismo. ¡No me quiero ni imaginar las consecuencias en el caso de que PRESLEY en los setenta hubiese hecho unas declaraciones similares a las del "Duque Blanco" alabando la figura de HITLER! 
Sin embargo, como ya he reiterado, todo esfuerzo ilustrativo resulta infructuoso, porque nos desenvolvemos en un hábitat cultural “jibarizado” por la ideología, en el cual, no manifestar simpatías hacia el comunismo es penalizado con la acusación de pertenecer a lo que se entiende por "extrema derecha".
Y gracias a toda la clase de espurios intereses que seamos capaces de imaginar, los prejuicios ideológicos prevalecen de manera contumaz sobre el sentido común.
Obras tan bien documentadas y contextualizadas como la biografia sobre el rey de PETER GURALNICK, o los excelentes ensayos de GRAIL MARCUS, al menos en éste país, parecen condenadas al limbo de lo futil, pues la visión que perdura en el colectivo cultural español, la constituyen aquellas diatribas biográficas de dudoso rigor objetivo escritas por GASPAR FRAGA en el caso español, y por ALBERT GOLDMAN en el caso norteamericano, aparecidas años ha, pero que tantos profesionales de la opinión escrita se han encargado, y continúan haciéndolo, de perpetuar en el tiempo. Algún que otro “plumilla”  de la prensa autóctona, le ha faltado tiempo para, una vez más y aprovechando el estreno de “ELVIS & NIXON”, lanzar sus dardos sobre la ya de por sí distorsionada fotografia de PRESLEY en España, y seguir hurgando en el estigma con declaraciones como: “NIXON, al lado de ELVIS, me despierta ternura”. Lo que me lleva a preguntarme ¿Qué película han visto?  ¿Han visto la película? ¿Tienen capacidad para leer entre líneas algunas frases significativas del guión?  
La película, sin ser redonda, en general mantiene el interés a lo largo de su desarrollo narrativo. Tampoco es condición indispensable ser fan de ELVIS PRESLEY para disfrutarla, ya que nos aporta cuestiones de cierto valor histórico. Por ejemplo, hoy en día el espectáculo y la política forman tan parte de lo mismo, que casi lo asumimos como un hecho natural. Sin embargo NIXON, un político a la antigua, se niega en redondo a recibir a ELVIS, un rockero, por principios. Son sus jóvenes asesores – la nueva política - los que le tienen que recordar y explicar los réditos electorales que puede reportarle un encuentro con el rey del RNR, convenientemente difundido en los medios. Aun con esas, NIXON continua negándose, y tan sólo cede ante la mediación de una de sus hijas, fanática incorregible del cantante. No me cabe duda de que los políticos corruptos de antes eran mucho más entrañables que los de ahora.

Me muestro parcialmente de acuerdo, con algunas consideraciones críticas a la película de mayor fundamento en el análisis, tales como: 
“¿Una reunión, intrascendente y anecdótica en si misma, justifica un interés real como para concebir una película de hora y media?”
“ Es un film con mucha caricatura y poca inspección psicológica.”
Y al igual que ocurre con casi todos los biopics o biopics parciales... 
"Es una película- foto de escasa profundidad de campo, que tiende a consolidar la imagen estereotipada que perdura en el imaginario sobre el mito”

Bien, estamos conforme en parte, sin embargo opino que “el famoso encuentro en la cumbre” entre ELVIS PRESLEY y RICHARD NIXON fue lo suficientemente jugoso como para, no solo escribir un guión cinematográfico de interés humano, sino incluso, para haber inspirado un cuadro a SALVADOR DALÍ.
Por alguna extraña razón que escapa a nuestro entendimiento racional, existen figuras artísticas de gran relieve que atribuidos de una cualidad carismática especial, trascienden su propia condición de meras estrellas pop, y cualquier acto que protagonicen por anecdótico que este sea aparentemente, despierta gran interés, y en consecuencia, adquiere una trascendencia inusitada, siendo objeto de toda serie de controversias. En este sentido, difícil encontrar una figura tan paradigmática como la del señor PRESLEY. Una leyenda elaborada a partir de los más diversos deseos y rechazos personales. Un personaje que llega a significar cosas muy diferentes para cada uno de nosotros. Del todo imposible resulta que alguien, incluso entre sus detractores más acérrimos, perciba a PRESLEY como un igual, como una persona corriente y moliente, entre los demás mortales. Una vez alcanzada la fama, ninguno de sus movimientos pasaría nunca inadvertido. Es de suponer que NIXON, a lo largo del ejercicio político de 1970, recibió en la casa blanca a un numero considerable de mandatarios, “el rey de”, "el gobernador de" “el presidente de”, “el príncipe de” etc etc... Pero de entre todos esos encuentros, el único que se ha convertido en película muchos años después, es el que mantuvo con EL REY, no “con el rey de”, sino ¡CON EL REY! Fue su majestad ELVIS PRESLEY quien convirtió la reunión en un episodio histórico tan relevante, a la par que controvertido.
La película se centra en un hecho concreto dentro de la vida de PRESLEY, pormenorizando, con mas o menos detalle, las circunstancias que dieron lugar al surrealista encuentro. Todo ello, narrado por una parte desde la vivencia personal de JERRY SCHILLING, amigo del Rey, testigo directo de todo el singular suceso, y a la postre productor ejecutivo del film. Y por otra, basándose en lo que la historiografía conoce de la informal conversación, mantenida en el despacho oval entre ELVIS y NIXON, sin descartar las lógicas licencias dramáticas que se hayan tomado los responsables de la producción, ya que la costumbre de NIXON de grabar sus conversaciones secretas, no la puso en practica hasta unos dos meses después del improvisado encuentro con ELVIS; Por lo tanto, existen huecos vacíos en cuanto a lo que allí aconteció. Cualquier otra expectativa sobre la película nos conducirá a la decepción. Ahora bien, en un tono general de comedia, y desviándose lo justo de su principal cometido narrativo a través de la pequeña pero consistente pincelada, es la cinta, hasta la fecha, que mejor acierta en transmitir la enorme complejidad de ELVIS PRESLEY, o mejor dicho, de ser ELVIS PRESLEY.
Todo el mundo conoce el lado salvaje y oscuro de ELVIS, que no supone ni más ni menos que el de cualquier otra estrella del rock de un impacto importante en la historia de la música popular (Los ROLLING STONES lanzaban televisores desde la terraza de los hoteles y PRESLEY, más considerado, disparaba a “la caja tonta” desde el salón de su casa), aunque en el caso del de Tupelo, el nivel de ensañamiento en las zonas oscuras del mito llega a tal extremo, que parecíese que las tropelías y extravagancias habituales de casi cualquier ídolo pop que se precie, son patrimonio de su exclusividad. También, conocemos la excesiva e inexplicable dependencia hacia su manager TOM PARKER, y que su comportamiento personal algunas veces no estuvo a la altura de la majestad que se le dispensó como cantante.
De ELVIS PRESLEY lo sabemos todo - muy especialmente por gentileza de sus ex novias, ex amigos y amigos - y al tiempo no sabemos nada.
“Elvis & Nixon”, nos enseña a una persona plena de desencanto, dominada por deseos caprichosos e infantiles, en este caso conseguir una reunión con el presidente lo vive como una cuestión de "emergencia social", y su ofrecimiento delirante al gobierno norteamericano en calidad de “agente especial antinarcóticos”, o  “agente federal independiente”, para  salvar a la juventud americana de la descomposición moral en la que había caído bajo la perniciosa influencia de las drogas, demuestra hasta que punto estaba alejado de la realidad de si mismo. Todo lo cual, no nos debe impedir descubrir la esclarecedora revelación, en esta entretenida película, de un ser humano muy inteligente, con gran capacidad para leer en el alma de las personas y un poder de seducción considerable; Tan sobrado de carisma personal, como para internarse sin "su guardia de corps", en un gueto de negros, con la legítima intención real de zamparse un donuts, y sabiendo neutralizar de manera imperturbable, toda la hostilidad inicial de un macarra hacia “su culo blanco”; Y un poco más tarde - en un escenario tan opuesto como el de la casa blanca, saltándose todos los protocolos de seguridad y toda la formalidad que requiere una cita en este incomparable marco - meterse en el bolsillo, venciendo también mucha animosidad inicial, al líder político de la primera potencia mundial. Por descontado que ambas situaciones, cual si se tratase de una escena de alguna de sus pésimas comedias, las genera el propio ELVIS, utilizando para ello todo el poder del personaje, pero me resulta imposible de creer que, el hombre que sostiene al personaje sea un tipo corriente. ELVIS PRESLEY también era así. Y no esta mal para ser un paleto enmadrado, desprovisto de identidad propia, víctima propicia del manager artístico más pérfido de la historia del “show businnes”, como tan a menudo nos han contado que era.

Desconozco, cuales han sido los criterios a seguir a la hora de designar a MICHAEL SHANON como mejor opción para la tarea de personificar a PRESLEY en la gran pantalla. La elección, se escapa a cualquier juicio presidido por la lógica. Y no es precisamente porque SHANON ande falto de talento interpretativo, pero el parecido físico es tan diametralmente opuesto al personaje que encarna, que resta verosimilitud a todos sus encomiables esfuerzos de composición dramática.   
En fin, si yo fuese el responsable de casting de un biopic sobre RODOLFO VALENTINO, buscaría un perfil mas a lo GARY COOPER, o a lo GARY GRANT, pero nunca uno a lo ERNEST BORGNINE o a lo KARL MALDEN.

Salvando todos los inconvenientes que se le quieran poner, a mi juicio película a tener en cuenta, sobre todo por los fans de ELVIS PRESLEY. 


miércoles, 20 de julio de 2016

"DON ERRE QUE ERRE" DE JOSE LUIS SAENZ DE HEREDIA.



Hace poco que he vuelto a ver “Don Erre Que Erre” (1970) de JOSE LUIS SAENZ DE HEREDIA. Si este film estuviese dirigido por BILLY WILDER y protagonizado por WALTER MATTHAU, la mayoria de nuestros directores de cine autóctono, esos que no se han sentido españoles siquiera un minuto y veinte segundos de sus subvencionadas y galardonadas vidas, situarían a “Don Erre que Erre” en lo más alto de su estimación artística.
SAENZ DE HEREDIA, primo- hermano de JOSE ANTONIO PRIMO DE RIVERA, director muy afín al Franquismo, y que en su haber cinematográfico figuran títulos tan sacrílegos como “Raza” (1941), o el famoso documental, “Franco ese hombre” (1964), es un apellido difícil de deletrear dada la dislexia moral e ideológica que padece este país. Limitación por otra parte, que no afectaba a LUIS BUÑUEL, ya que en los primeros dias de la guerra civil, y con ayuda de un pequeño ejercito de trabajadores de los estudios de cine Roptence, arrancó de las fauces chequistas madrileñas a su joven amigo falangista, JOSE LUIS SAENZ DE HEREDIA, salvándole de una muerte segura. Historias de reconciliación nacional en plena guerra civil, que "la memoria histórica" reciente, (dificil encontrar dos terminos mas antagónicos para darle titularidad y sentido a una ley), no es muy amiga de recordarnos.
Resulta paradójico que, sea un veterano cineasta tan tildado de "franquista", quien nos obsequie con una película en la que se disecciona con suma eficacia y de manera admirablemente ligera, los entresijos de los poderes oligárquicos de la dictadura; así como sus sutiles y arteras artimañas, frente a las cuales, el indefenso ciudadano de a pie, (PACO MARTINEZ SORIA), tan sólo puede hacerlas frente empoderandose de una voluntad ética, cual Quijote cabezón con la vena de la lúcida locura hinchada, a prueba de bombas. El sufrido ciudadano de a pie, obligado a lidiar con estructuras siempre ventajosas para el estado. ¡Y todo por 257 pesetas del año 70! Pero oiga, cuando la dignidad del individuo está en juego, es una cantidad muy considerable.

A mi juicio, película totalmente actual, con la diferencia de que debido a la laxitud moral imperante, y a estos valores contemporáneos tan desdibujados, dudo que abunden - sin afirmar que no existan - los “Don Erres que Erres” dispuestos a combatir sin freno los abusos cotidianos que ejerce sobre las pequeñas y decentes economías reales, el contubernio político - financiero del régimen actual, pues contra FRANCO todo parecía más factible, o simplemente existía otra disposición ética. ¡Y así nos luce el pelo!    
Junto a “Historias de la Radio” (1955), absoluta obra maestra del cine español, es una de las más destacables cintas del director, y también de su principal protagonista, el inefable PACO MARTINEZ SORIA. Un guión bien armado. Una puesta en escena sobria y eficaz, delineada con trazo firme, al servicio de la historia, y un elenco de actores, como era costumbre en aquellos años, en perpetuo estado de gracia, convierten al film en un obligado descubrimiento.
Sirva de reflexión el monólogo final del infravalorado, como tantos galanes cinematográficos, PEPE RUBIO:

“ Al final David venció a Goliat, o más bien... Un Goliat venció a otro Goliat valiéndose de la fuerza de David”

Siempre, un grande se valdrá de la fuerza de un pequeño para derrotar a otro grande. ¿Cuál es la verdadera dimensión de un autentico gigante? Como diría JULIO IGLESIAS: "La vida sigue igual"

   

domingo, 10 de julio de 2016

LA MUERTE DE UN TORERO LLAMADO VICTOR BARRIO



En cuanto hay un toro de por medio, inmediatamente muchos entran "al quite". 
¡Cuan impregnado de léxico taurino está la lengua que hablamos!. Los animales y los toreros me merecen todo el respeto, mucho más que la causa animalista, al menos en España, porque no defienden la vida en su totalidad, si no parcialmente, y ¿Que manera es esa de defender la vida? 
Los de la causa animalista, deciden lo que moralmente es defendible "como vida", pues protegen la vida de los animales pero en general suelen contemplar el aborto como asunto que pertenece a la autonomía moral y exclusiva de la mujer, y lo que no. También deciden lo que debemos sentir. Por la tauromaquia repugnancia, por la matanza de corderos musulmana "respeto a la diversidad cultural", y lo digo porque en España, detrás de la causa animalista se encuentran los de siempre, y por lo tanto exacerban los acentos en la tauromaquia, sin embargo esa misma virulencia la echamos a faltar en tantas y tantas cosas relacionadas con lo humano, lo divino, y lo animal. Todo ello persigue un claro objetivo de instrumentalización política, que poco tiene que ver con la defensa de los animales, y sí mucho con la desaparición de algo tan español como la tauromaquia. Aquello que huela a tradición española debe dejar de olerse, a la espera de cargar el ambiente cultural con otra clase de aromas mas "evolucionados" y no tan "rancios". Si muere un torero, se celebra por buena parte del progresismo rampante, y otros tantos no lo celebran públicamente por aquello de la corrección politica, pero no pueden evitar un cierto regocijo ideológico, ya que con la muerte de un torero, muere un poco de esa vieja España caduca a los que a tantos les urge su desaparición... Vivimos en la España más triste que pueda concebirse. Antiguamente, moría un torero y el país entero se vestía del luto del respeto, y poetas "tan rojos y de izquierdas" como FEDERICO GARCIA LORCA escribían sentidos y bellos poemas fúnebres por la muerte de un amigo en el ruedo. Y tantos  intelectuales que encontraban en los toros un misterio antropológico de gran valor. Ahora en cambio, un numero nada despreciable de ciudadanos celebran la muerte de "un asesino", brindando con vino que suavice el gaznate tras haber ingerido un chuletón de carne de animal sacrificado, o si se prefiere una mariscada de 160 e por barba. 
¿En que me convierte tanta hipersensibilidad hacia el maltrato animal cuando me conduce a celebrar la muerte de un ser humano? Cabe preguntarse si, estas causas en apariencia tan evolucionadas y humanitarias, efectivamente producen seres más políticos, más ambiguos moralmente, más de izquierdas, más animalistas, más abortistas, más feministas, pero en definitiva... ¿Menos humanos?.